Дашти
Тем хуже для фактов. (с)
Восковые крылья. Бессонница. Маленькая смерть. Шесть танцев.


Где: МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко
Когда: 16.11.2015, постоянный репертуар.

Фактически сборный вечер одноактных балетов Иржи Килиана, хотя и не называется так официально. Если судить по работам, включенным в программу вечера, г-н Килиан тяготеет к сюрреализму, абстрактным образам. По моим собственным ощущениям его хореография - ломаная, кривящаяся, нервная, но оттого не менее прекрасная. Килиан много работает именно с парным танцем, но (в отличие от того же Роббинса, например) это органично вплетено в общую постановку, не выпадает из нее классическими па де де.
Итак, по порядку.

Восковые крылья



В названии, как несложно догадаться, зашифрована отсылка к легенде об Икаре. Но больше никаких аллюзий на греческую мифологию здесь увидеть не получится. Для меня, честно говоря, вообще осталось загадкой, почему балету дано именно такое название.

Самая большая неожиданность и украшение сцены - это, конечно, декорации: огромное перевернутое корнями вверх дерево, парящее над сценой, одинокий прожектор, освещающий его то с одной, то с другой стороны. Я сразу вспомнила Иггдрасиль и уже успела порадоваться такой неожиданной отсылке, но нет, увы, нет.

Постановка бессюжетна, как большинство современных балетов. Килиан работает в основном над удержанием зрительского внимания, перебрасыванием его от одного угла сцены в другой. Активизируя, уплотняя то один, то другой танцевальный тандем, постепенно проявляющийся на непроглядно-черном фоне задника, он заставляет следить за несколькими линиями разом. Визитная карточка балетмейстера - всевозможные поддержки, порой достаточно сложные, неожиданные, но не всегда, увы, кажущиеся уместными.

Итого - красиво, но создается впечатление, что это красота ради красоты, движение ради движения. Если у автора была задумка, мне она, увы, осталась неясна.

Бессонница



А вот этот балет мне понравился очень, и прежде всего - игрой человека и декораций. Белая стена из полотен ткани, луч прожектора на единственного человека перед ней и рваные, нервные движения создают атмосферу, действительно присущую бессоннице: тяжелый. дурной морок, полуправда, усталость, невозможность успокоиться. То одно, то иное абсурдное видение выбирается из-за белой стены, выхватывается безжалостным белым светом, корчится в его лучах, исчезает, чтобы тут же появилось следующее.

Итого - отличная постановка, интересная идея, изумительно переданная атмосфера.

Маленькая смерть. Шесть танцев.

Два балета, объединенных общей темой - музыкой Моцарта.



В ролях: шесть мужчин, шесть женщин и шесть рапир, которые иногда видятся более живыми, чем собственно танцоры. Кажущиеся обнаженными тела, сплетающиеся и разлетающиеся по сцене. Пульсирующее, живое действие.

Если вспомнить не первое по популярности выражение, гласящее, что "сон - это маленькая смерть", а менее известную версию, говорящую, что маленькая смерть - это оргазм, становится ясно, что же хотел выразить балетмейстер.



Полушутливая постановка шести танцев, бывших в моде во времена Моцарта. Замечательный совершенно не пошлый юмор, легко даже для неподготовленного зрителя читающиеся аллюзии на полонезы, паваны и браны, Чудесные костюмы и забавные бутафорские элементы в виде платьев из фанеры. Легкая, не несущая в себе напряжения постановка, завершающая вечер на самой позитивной ноте.

Итого: 8/10.


В предыдущих сериях:

Дон Кихот




Где: МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко
Когда: 20.10.2015, постоянный репертуар

На танцевальные постановки я готова ходить в любых количествах и видах, но классический балет занимает особое теплое место у меня в душе. Все-таки словами не передать грандиозность кордебалета, синхронно взмывающих вверх рук, колышущихся плащей и пачек, ощущение невероятного единства. И не рассказать о том, как взлетают кажущиеся невесомыми солисты, каждый из которых - один цельный сгусток энергии. Классический балет - это стремление к полету, в отличие, кстати, от contemporary, все больше стелящегося по земле. Но это общие слова.

Сама постановка претерпела немного изменений со времен премьеры в 1900 году. К задумке Александра Горского балетмейстером театра Алексеем Чичинадзе были добавлены новые, тщательно стилизованные сцены, совершенно не выбивающиеся из общего ритма. И то сказать, новые - последняя редакция относится к 1981 году. И мне, как человеку, измученному современными вариациями на всевозможные темы (самым большим потрясением до сих пор остается "Руслан и Людмила" в Большом театре, с десантниками на сцене), бесконечно приятно было видеть нетронутую классику.

Яркие, красочные костюмы, задорные ритмы, кураж каждого танцора, замечательный юмор движения - все это поднимает настроение с первых же минут первого акта. До невозможности прелестны сами Дон Кихот и Санчо Панса. Особенно запоминается короткий, но очень показательный момент из конца второго акта, с мелкими, суетливыми, но оттого не менее отточенными и острыми движениями Санчо и длинным, протяжным проходом Дона Кихота через всю сцену на одних grand jete.

И, конечно, чистое удовольствие от сольных партий. Традиционные тридцать два фуэте Китри (ну ладно, тридцать, два она все-таки не докрутила), пируэты и прыжки Базиля, головокружительные поддержки и смотрящиеся скромно на их фоне, но оттого не менее трудоемкие pas de bourree. Незамутненный, искренний восторг и заряд позитивной энергии на несколько дней.

Итого: 10/10

Удерживая время




Где: Центр Мейерхольда
Когда: 5.10.2015, точно будет показан еще 22.10, дальнейший график пока обговаривается.

Когда идешь на постановку труппы "Балет Москва", в качестве танцевального исполнения сомневаться не приходится. Честно признаюсь, у меня были сомнения только в авторе концепции - французе Рашиде Урамдане: некоторое время назад мы ходили на его "Сфумато", и при всей моей любви к танцу в целом и современному танцу в частности та постановка меня не впечатлила. Но сейчас - другое дело.

Танец как вид сценического искусства вообще, как мне видится, самый метафоричный из них всех. Заставить человеческое тело работать так, чтобы выбранная метафора была понятна широкому кругу зрителей, да еще и из разных стран, с разным культурным бэкграундом - задача непростая. Но хореограф справляется.

Г-н Урамдан явно из тех людей, для которых время течет, как вода. Его размышления на эту тему - бесконечные волны асинхронных движений, сталкивающиеся и разбегающиеся в разные стороны, закручивающиеся спиралями и просачивающиеся друг сквозь друга. Постановка многолюдна, что для жанра contemporary не слишком характерно: одновременно на сцене находятся 14 человек, что и позволяет создавать видимый эффект текущей воды. Но время - субстанция несамостоятельная, оно существует только применительно к чему-то. В нашем случае - к людям, конечно.

Очень показательна первая же сцена: под ксилофонную музыку французского же композитора с запоминающимся именем Жан-Батист Жюльен, напоминающую механический звук игры пинбол, человек пытается устоять перед напором времени. И если поначалу у него это получается, то уже через пару минут он напоминает тот самый шарик на игровом поле, который отбрасывает от себя то одно, то иное препятствие, заставляя принимать самые странные позы - не по своей воле.

Влияние времени на людей и людей на время - вот главная тема постановки. Бешеный ритм бегущих мегаполисов, бесконечная борьба людей друг с другом и с самими собой, случайные встречи. Ты можешь думать, что связан только с одним человеком, но на самом деле в твоей жизни принимают участие все 14 артистов: то, что начинается как парный танец, постепенно обрастает деталями, и только когда все занимают свои места, наконец-то складывается гармоничная картинка, исчезают вопросы. Попытайся остановиться и посмотреть на все вокруг: да, тебя снесет мощным потоком через несколько секунд, да, тебя может отбросить назад, да, люди могут начать тебя сторониться - но ты увидишь, что происходит на самом деле. И пусть это отпечатается в твоей памяти.

Я вышла из зала с ощущением того, что вокруг в жизни все непросто. Но не с тем мрачным подавляющим чувством, заставляющим забиться в свою конуру и мрачно зыркать оттуда на окружающую действительность, а с силами идти вперед. Периодически останавливаясь, конечно. Самое лучшее ощущение, которое может остаться от сцены, если уж на чистоту.

Итого: 10/10.

Человек из ресторана




Где: Сатирикон
Когда: 21.10.2015, премьера сезона.

Это рассказ о простых понятиях, о которых сейчас не любят и даже как-то стыдятся говорить - о доброте, честности, благородстве, вере. Да, возможно, главный герой повести кажется наивным, он не слишком хорошо ориентируется в окружающей жизни, но он честен перед самим собой и людьми, и даже когда представляется возможность изменить свою жизнь, подобрав потерянные посетителем в ресторане 500 рублей, он решает не делать этого и вернуть деньги владельцу. Делай, что должен - вот каким принципом живет этот человек. И кто знает, может, именно поэтому и находится старик, который спасает его сына, хотя и не знает ничего о том, почему мальчик бежит от полиции. Может, поэтому и оставляют на работе его дочь, несмотря на то, что она жила с вором и растратчиком и теоретически могла ему помогать. Может, поэтому в итоге самого Якова Софроныча, уволенного из ресторана, принимают обратно.

Три с лишним часа смотрятся на одном дыхании.

Константин Райкин, играющий главную роль, изумительно вживается в характер персонажа. Ему веришь до такой степени, что даже странно представить, будто перед тобой актер.

Очень грамотная, продуманная сценография - с деталями, но не перегруженная. Момент со сдвигающимися стенами, подталкивающими Скороходова на авансцену, заставляет забыть о том, что людям положено дышать.

Антуражность в мелочах - с чаем из стаканов, школьными портфелями правильной формы, богатыми мужчинами в шубах - добавляет правдивости истории.

И несмотря на явные исторические отсылки, четко прочитывающаяся параллель с сегодняшним днем.

И финал, когда смотришь на выстроившихся перед тобой актеров - уставших, ждущих реакции зала, выложившихся до конца - и чувствуешь такую мощную отдачу от них самих и от зрителей одновременно, что слезы наворачиваются на глаза.

Если вы видели афиши этого спектакля, расклеенные сейчас по всему городу, и думали, идти ли - я ваш знак свыше - не идти даже, бежать.

Итого: 10/10

Открыли вчера сезон и сделали это очень правильной постановкой.

360 градусов



"Человек из ресторана"




Где: Сатирикон
Когда: 21.10.2015, премьера.

Постановка по одноименной повести Ивана Шмелева.

Россия, начало XX века. "Опасное" время, русско-японская война, начало первой революции. Исторический момент перепутья, кардинальных изменений. На таком фоне особенно видны становятся различия во взглядах разных социальных слоев и поколений.

Рассказ ведется от имени маленького человека, Якова Софроныча Скороходова. Его жизнь - сплошное служение официантом в ресторанном зале, посвященная прежде всего жене и детям. И все бы ничего, но дети вырастают, у них появляются собственные убеждения, право на ошибки и их исправление. Вот только ошибки эти слишком часто бьют по родителям. Сына исключают из училища, он связывается с коммунистами. В доме обыск, арест, ему приходится скрываться. Дочь решает жить гражданским браком с управляющим из магазина, где она работала кассиршей. Внебрачный не нужный управляющему ребенок оказывается на попечении Якова Софроныча, которого к тому моменту увольняют из ресторана из-за того, что он связан с собственным сыном.
Конец истории скорее обнадеживает, чем нет: сына арестовывают в другом городе, но он сбегает, его укрывает в своей лавке старик, "торгующий теплым товаром", а спустя две недели тайно вывозит из города. Дочь расстается с управляющим магазином, который оказывается вором и растратчиком, и продолжает работать кассиршей. Якова Софроныча по настоянию профсоюза, с которым директор ресторана теперь вынужден считаться, снова принимают на работу. Вот только жена умерла от потрясений, дети далеко, и на руках маленькая внучка.

Это рассказ о простых понятиях, о которых сейчас не любят и даже как-то стыдятся говорить - о доброте, честности, благородстве, вере. Да, возможно, главный герой повести кажется наивным, он не слишком хорошо ориентируется в окружающей жизни, но он честен перед самим собой и людьми, и даже когда представляется возможность изменить свою жизнь, подобрав потерянные посетителем в ресторане 500 рублей, он решает не делать этого и вернуть деньги владельцу. Делай, что должен - вот каким принципом живет этот человек. И кто знает, может, именно поэтому и находится старик, который спасает его сына, хотя и не знает ничего о том, почему мальчик бежит от полиции. Может, поэтому и оставляют на работе его дочь, несмотря на то, что она жила с вором и теоретически могла ему помогать. Может, поэтому в итоге самого Якова Софроныча и принимают обратно в ресторан.

Три с лишним часа смотрятся на одном дыхании.
Константин Райкин, играющий главную роль, изумительно вживается в характер персонажа. Ему веришь до такой степени, что даже странно представить, будто перед тобой актер.
Очень грамотная, продуманная сценография - с деталями, но не перегруженная. Момент со сдвигающимися стенами, подталкивающими Скороходова на авансцену, заставляет забыть о том, что людям положено дышать.
Антуражность в мелочах - с чаем из стаканов, школьными портфелями правильной формы, богатыми мужчинами в шубах - добавляет правдивости истории.
И несмотря на явные исторические отсылки, четко прочитывающаяся параллель с сегодняшним днем.
И финал, когда смотришь на выстроившихся перед тобой актеров - уставших, ждущих реакции зала, выложившихся до конца - и чувствуешь такую мощную отдачу от них самих и от зрителей одновременно, что слезы наворачиваются на глаза.

Если вы видели афиши этого спектакля, расклеенные сейчас по всему городу, и думали, идти ли - я ваш знак свыше - не идти даже, бежать.

Итого: 10/10

Где: Центр Мейерхольда
Когда: 23.09.15. Обещают продержать на сцене весь сезон.

Как пишут в аннотации сами постановщики, это представление "на стыке балета, цирка и драматургии". И если на словах эта фраза звучит не слишком ясно и несколько пафосно, то сидя в зале понимаешь, что иначе сформулировать было просто невозможно.

360 градусов - это некий артхаус от театра. Не в том смысле, что множество голых людей, пошлость и реплики, состоящие исключительно из обсценной лексики, совсем нет, как раз ничего из вышеперечисленного нет и в помине - при желании сюда вполне можно пойти с детьми, что многие и делают. Но если традиционный театр- это театр протяженности во времени, то здесь вам покажут постановку момента. Здесь нет явного сюжета, но каждый из артистов - сам по себе сюжет.

Это рассказ о жизни циркачей - училище, работе, закулисье, выступлениях. И о бесконечных, бесконечных, бесконечных тренировках - у меня язык не поворачивается назвать это репетициями. О том, что для них действительно важно, об осточертевших "стрингах в блестках и накладных ресницах", о внутренней жизни цирка. О людях, и только потом о разноцветной шумихе вокруг того, что они делают.

Многие, подозреваю, пришли туда исключительно ради цирковых номеров. И действительно, трюки изумительны. Мой фаворит - эквиллибрист, вытворявший что-то невероятное, стоя на руках на вращающейся опоре, его уровень владения собственным телом - нечто совершенно потрясающее, аж дух захватывало. Но есть многое - и воздушная гимнастика, и жонглирование, и даже дрессировка животных. И все же главное там даже не это, хотя зрелищность, конечно, тоже важна. Главное - понять внутреннее ощущение героев, их мир, состояние марионеточности и мнимой свободы, усталости и преодоления - и счастья, как же без него, но совсем не в те моменты, в которые его можно было бы предположить стороннему человеку.

Итого: 9 из 10, исключительно из-за организаторских косяков с рассадкой зрителей в зале.

Вечер балетов Фредерика Аштона: "Рапсодия", "Вальс", "Маргарита и Арман"


Где: МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко
Когда: 1.11.2015, премьера сезона

С недавнего времени театр Станиславского и Немировича-Данченко начал устраивать так называемые вечера одноактных балетов, чаще всего сгруппированных по одному хореографу. Идея не нова, но чрезвычайно интересна. Не только с точки зрения возможности познакомиться с различными хореографическими стилями балетмейстеров с разных концов мира, но и как способ проследить творческое развитие одного конкретного человека во времени. В этот раз мы посмотрели три творения британца Фредерика Аштона, долгие годы руководившего Королевским балетом. Расскажу о них в том порядке, в котором их решили показывать зрителям.

1. "Рапсодия"




Изумительная, самая яркая и самая поздняя их трех постановка Аштона на музыку Рахманинова - его "Рапсодии на тему Паганини".

Стоит начать с того, что мы случайно попали на гремящего сейчас по миру Сергея Полунина - и это тот случай, когда слава человека заслужена полностью. От него невозможно оторваться: виртуозная техника, артистизм, потрясающая легкость, исполнение трюков, за которые мало кто бы взялся. Изначально главная партия ставилась для Михаила Барышникова, с того момента в ней не поменяли ни единого жеста, и Полунин справляется с ней блестяще! Очень жаль, конечно, что не удалось его увидеть в сегодняшней "Коппелии", но я надеюсь, что нам повезет, и он будет солировать на вечере балетов Джерома Роббинса, куда мы обязательно дойдем.

Но одним солистом не ограничивается прелесть балета - на мой взгляд, поставленного совершенно гениально. По сути "Рапсодия" - это зримо воплощенная музыка. Здесь есть партия главной музыкальной темы, лирической вариации на эту тему, бесконечного количества второстепенных вариаций - у каждого танцора своя четко обозначенная роль. Что-то вроде визуалайзера, только не электронно-светового, а в движении, в людях, в характере их жестов. Поначалу не видя сюжета, с каждой минутой все больше и больше проникаешься тем, что происходит на сцене. Немалую роль здесь, конечно, сыграла и моя любовь к 24-му капрису и "Рапсодии" Рахманинова, а значит, знание их наизусть. Подозреваю, что для того, чтобы оценить танец, надо действительно хорошо знать музыку, чтобы не отвлекаться на попытки уследить за ее изменчивым характером.

Еще один чрезвычайно приятный момент - это колористика постановки. Очень простые декорации: строгие, серые, нейтральные кулисы и нежно-пастельные облака на заднике, по которому бегут цветные тени. Костюмы танцоров простые, но выдержаны в тех же пастельных тонах. Платья балерин сделаны из натурального шелкового шифона - летят и повторяют движения тела так, как никогда не сделала бы даже самая качественная синтетика. Прима и премьер в цветах только что взошедшего солнца - тепло-желтых, в рыжину - в луче прожектора смотрятся особенно эффектно. Все вместе дает ощущение то ли летнего рассвета, то ли райских кущ.

Все, что остается сказать - браво! 12/10.

2. "Вальс"




Говорят, что когда Морис Равель показал Сергею Дягилеву свою хореографическую поэму для оркестра "Вальс", тот сказал композитору: "Равель, это шедевр, но это не балет! Это портрет балета, изображение балета". В самом деле, что музыка, что хорегорафия "Вальса" - это скорее попытка показать самые яркие черты классического балета, не вдаваясь в подробности.

Постановка интересна именно с точки зрения гротескности. Кажется, именно так может себе представлять балет человек, никогда его не видеший, но много слышавший о нем, и притом привычный, например, к бальным танцам. Пышность, синхронность, яркость красок, взлетающие в воздух балерины - все это здесь есть. И все кажется настолько утрировано-искуственным, будто перед нами не люди, а тщательно сконструированные куклы.

Если когда-нибудь кому-нибудь придет в голову поставить балет по сюжету "Мастера и Маргариты", то "Вальс" можно будет брать в качестве готовой сцены бала у Воланда. 8/10.

3. "Маргарита и Арман"




По моему мнению, наименее интересный из трех балет Аштона. Он был поставлен для пары Нуреев-Фонтейн, и очень, просто-таки чересчур чувствуется, что хорегорафия задумала под конкретный тандем.

В отличие от предыдущих двух, этот балет сюжетен, и уже это делает его скучнее. Просто, все слишком просто, слишком буквально. В танце не остается метафоричности, места для размышлений, так необходимого в балете. Постановка напоминает немое кино, в котором зрителю все объясняется по несколько раз. На сцене то и дело появляется толпа людей, нужных лишь для создания общей массы, даже не пытающихся танцевать. Постоянная смена декораций несколько раздражает, хотя и ясно, конечно, что без этого обойтись крайне сложно.

И, что самое неприятное, между солистами, Денисом Дмитриевым и Эрикой Микиртичевой, исполняющими партии собственно Маргариты и Армана, не чувствуется притяжения. Того накала чувств, что обязательно должны быть в сюжете, построенном исключительно вокруг темы любви. 4/10.

Итого: путем нехитрых вычислений получается общий балл 8/10, но стоит отметить, что на вечер все равно стоит идти, даже если только ради "Рапсодии". Подозреваю, что если бы балеты были показаны в другом порядке (ровно наоборот), впечатление было бы существенно лучше засчет того, что все начиналось бы неспешно, а завершалось на яркой ноте. Но увы, что есть, то есть.

СВАН



Где: Центр Мейерхольда

Когда: 11.11.2015, предпремьера. Премьеру обещают 23.12.2015.

Недалекое будущее. Россия называет себя "страной победившей поэзии". Одним из главных доказательств этого становится то, что всех сотрудников государственных органов обязывают говорить стихами, а желающих получить гражданство - сдавать экзамены в стихотворной форме. Последним занимается "СВАН" - проект, девиз которого - "Каждый гадкий утенок может стать лебедем".

Этот спектакль - история о взаимоотношениях чиновников и тех, кто хочет сдать экзамен на гражданство, о тех, кто им помогает или мешает, об отношении к стране. И конечно, о людях - их взаимопонимании, привязанностях, привычках, попытках выжить в мире абсурда, любви наконец.

В общем, сама по себе задумка интересна. А вот воплощение мне лично показалось недодуманным.

Во-первых, ребята явно перемудрили с декорациями. Идея использовать разделительные столбики и ленты, подобные тем, что ставятся на регистрации на рейс в аэропорту, чрезвычайно хороша. Но постоянные попытки переставить их, повесить что-то сверху, перекрепить ленты - очень выматывает. Долго, чрезвычайно долго приходится смотреть на то, как работники сцены ходят туда-сюда, меняя декорации на твоих глазах (спектакль идет без антракта).

Во-вторых, некоторые моменты больше напоминают студенческие учебные этюды, не переработанные для собственно сцены. Чего только стоит почти 10-минутный эпизод пьянки, который можно было бы сократить втрое, при этом сохранив и смысл, и не утомляя зрителя постоянным повторением одного и того же.

В-третьих, господа, ну разберитесь уже со звуком! Музыка, дополняющая спектакль, очень бьет по ушам, особенно тогда, когда актеры пытаются петь. И на этом фоне то, что говорится без микрофонов, становится не слишком хорошо различимым. Давайте уже оставим или один формат, или другой, хорошо?

В целом я могу сказать, что мне скорее понравилось, чем нет. Некоторые моменты особенно хороши. Чего только стоит фраза о том, что "твое свидетельство о рождении перевели с гекзаметра на хорей"! Но говоря по справедливости, это скорее заслуга авторов пьесы, а не постановки.

Итого: 5/10.

Лир король




Где: театр "Эрмитаж" на сцене театра Мастерская Петра Фоменко
Когда: 15.10.2015, предположительно последний прогон на этой сцене.

"Короля Лира" мечтает поставить каждый режиссер, долго находящийся в театральной сфере", - такими словами встретил нас вышедший поприветствовать зрителей перед началом спектакля Михаил Левитин. Возможно, он прав: как роль Гамлета становится своеобразным маркером в карьере актера, так "Король Лир" и какая-нибудь из чеховских пьес - "Вишневый сад" ли, "Три сестры" ли - становится маркером в творчестве режиссера. Поэтому подобные постановки неизбежно сравниваешь с другими увиденными. На этот раз сравнение, увы, не в пользу театра "Эрмитаж".

Спектакль начинается рассуждениями о том, что Л.Н.Толстой не понимал всемировой любви к Шекспиру, на протяжении своей долгой жизни перечитывал его пьесы и, как он сам писал, "не только не испытал наслаждения, но почувствовал неотразимое отвращение, скуку и недоумение". Если режиссер хотел добиться именно такой реакции зрителя, то ему это, пожалуй, удалось.

Атмосфера постоянно нарастающего безумия, так чувствующаяся, к примеру, в версии "Сатирикона", здесь не ощущается вовсе. Все попытки усилить впечатление неизбежно проваливаются. Жанр высокой трагедии приведен к пошлому фарсу.

Безусловно, сюда стоит идти, если вы любите Михаила Филиппова. Ради его безупречной, изумительной игры в роли Лира можно высидеть три с лишним часа тягомотной скуки.
Но несчастная Корделия - не знающая, куда себя деть на сцене все эти три часа, троекратно зачитывающая названия эпизодов на русском и английском, напоминает старые самоучители по английскому с аудиокассет.
Но Шут - прекрасно играющий на тромбоне, но при этом временами переходящий на битбокс или английские ругательства.
Но Эдгар и Эдмунд - одетые в хакама, с выбеленными лицами, дерущиеся на палках и периодически изрыгающие из себя поток условно-японских слов.
Но Освальд - с накладной задницей, извивающийся и вихляющий так, что лично я поставила бы ему диагноз "ДЦП".
Но отара овец, которых гоняют по сцене туда-сюда - нет, не настоящих, хотя я бы не удивилась. Впрочем, овцы как раз весьма милы.

Но, но, но.

При всем вышесказанном Левитин зачем-то сокращает пьесу, обрубая ее на том моменте, когда Корделия ведет войска на сестер и встречает отца. Непонятный, неуместный, не-ко-времени счастливый конец, радующий только тем, что можно наконец-то выдохнуть, встать и выйти из зала, отдав, разумеется, должное актерам, которые уж ни в чем не виноваты.

Итого: 4/10, исключительно благодаря Филиппову.

Предыдущий сборный недопост сезона 2014-2015
запись создана: 24.09.2015 в 11:23

@темы: сцена, Мой Город, театры